Саксофонист Антон Румянцев и его квартет 13 мая 2016 года представит в ЦДХ программу «Queen в джазе». В интервью корреспонденту InterMedia музыкант рассказал, как связаны Queen и джаз и как складываются его отношения с другими российскими саксофонистами.

- Как возникла идея программы «Queen в джазе»?

- Идея возникла как продолжение фестиваля «Классика рока в джазе», который мы провели в мае прошлого года в Доме музыки. Первоначальный замысел заключался в том, чтобы сыграть известные рок-песни в джазовом варианте, добавить туда драматургии, не оскорбив при этом, скажем так, «чувства верующих», то есть тех, кто хорошо знает и любит эту музыку. Начали мы вообще с песен группы Nirvana в джазовых обработках, и, конечно, были опасения, что фанаты это не примут. Тем не менее получилось всё ярко и интересно, наши версии понравились даже погрузившимся в «Нирвану» поклонникам альтернативного рока. Естественно, меня стали спрашивать, что дальше. Я тогда ответил, что подумываю о программе на основе песен Led Zeppelin, но в итоге получились «The Beatles в джазе». Ну а логическим продолжением этого стала программа песен Queen, которые с нашим джазовым видением мы сильно изменили. Появились импровизации, мы общаемся при помощи своих инструментов, при этом не применяя голос. Инструментальные версии -наша фишка. То есть надо играть так, чтобы у людей не возникало желания услышать на этом месте голос (смеется). Знакомые мелодии перекликаются с импровизациями, и всё это с помощью всего четырёх инструментов - контрабас, рояль, саксофон и ударные.

Правда, теперь я стараюсь не обещать впрок, чтобы не получилось, как с Led Zeppelin.

- Фанаты рока не критиковали ваши версии?

- Расскажу историю. Приезжаем мы играть в тверскую филармонию. Это, кстати, продвинутая филармония, где люди не спрашивали, что такое Nirvana. Чаще всего в филармониях работает такая публика, которая даже название этой группы не слышала. Но там Nirvana знали, правда, не могли понять, как же мы это делаем. На концерт пришли, видимо, все тверские фанаты Nirvana, и в конце весь зал у меня встал. «Smells Like Teen Spirit» просто порвала им мозг, они были в полнейшем шоке. Есть даже ролик в интернете, где эти зрители после концерта делятся восторгами.

- А были ли критические отзывы, так сказать, «с другого фланга»? Есть же люди, считающие джаз традиционным классическим искусство, и для них заигрывание с другими стилями - это «уход в попсу».

- Конечно, такое мнение существует, и я с ним сталкиваюсь на протяжении всей своей творческой жизни. Я учился в институте имени Гнесиных, я умею играть весь классический репертуар джазового музыканта, работал в оркестре Олега Лундстрема, с Анатолием Кроллом, Даниилом Крамером, получал самые высокие отзывы. Соответственно даже у критиков нет никаких сомнений в том, что я профессиональный джазовый музыкант. Вопросов, как мы играем, не возникает ни у кого - достаточно один раз услышать, и вы всё поймёте. Уровень очень высокий. Поэтому, я считаю, у нас есть право реализовывать любые собственные идеи. Назовите это джаз-каверами, кроссовером, как угодно - мы не стесняемся этого абсолютно, и попсой наши версии точно назвать нельзя. Музыка сейчас претерпевает большие изменения вместе с эпохой: поменялся век, у людей меняется восприятие, самые популярные ролики в интернете длятся не более минуты-полутора, поэтому нужно искать формы, близкие этому поколению с его быстрым восприятием. Нужна смена действия, какие-то знакомые мотивы - мы пытаемся уловить эти изменения и подчеркнуть их в наших программах. Всем, кто сомневается, что это остаётся джазом, я предлагаю прийти на концерт и продолжить этот разговор уже после нашего выступления. А после им уже нечего будет сказать, ведь они услышат настоящий джаз, не традиционный, но многостилевой, красивый и талантливый... Может быть, мелодии будут не вполне джазовые, но мы делаем и вкрапления джазовых стандартов.

- В процессе работы над «куиновской» программы музыка Queen преподнесла какие-то сюрпризы?

- Да. Музыка Queen на самом деле открывает перед тобой бесконечность. Она позитивная, она даёт мощный эмоциональный подъём. Мы все помним потрясающе энергетически насыщенный характер исполнения Фредди Меркьюри, и в некоторых композициях у нас тоже присутствует этот подъём. Мы внимательно относимся к драматургии: у Nirvana музыка больше философская, ведь Курт Кобейн не был весёлым шоуменом. Играя Beatles, мы подчеркнули их позитивное рок-н-ролльное начало. Мы не нарушаем эту музыкальную ткань, просто изображаем её на других инструментах. Если это рок-н-ролл, то это и у нас рок-н-ролл, хотя и в другом звучании. В музыке Queen мы стремились выразить и сохранить некий дух победы, «We Are The Champions», «Show Must Go On» и т.д. Думаю, нам это удалось. Недавно были два концерта в Вильнюсе, причём второй был объявлен дополнительно, - и два раза зал вставал. Оценка публики - самое главное.

- Вы планируете продолжать «вводить в джаз» рок-классиков?

- Эта гениальная музыка по-прежнему очень востребованна. Она известна, и публике интересно, как джазовые музыканты смогут эту музыку интерпретировать. Поэтому поле для деятельности обширно. Это, кстати, непростой процесс - мы репетировали и готовили эту программу полгода, а до этого я год её обдумывал. Это не с бухты-барахты встал и поехал на концерт поиграть стандарты. Сейчас начались концерты, а работа над программой продолжается: что-то дорабатывается, что-то вносится. С «куиновской» программой, я думаю, мы не скоро расстанемся, потому что это, как я уже говорил, какая-то бесконечная музыка: начинаешь её играть и не хочется останавливаться. Как в том анекдоте про музыканта, который попал в рай, играет там в оркестре, играет соло и спрашивает: «А когда кода?» Ему отвечают: «А коды не будет». Вот здесь то же самое (смеётся). Коды нет - они так это сделали, что этот подъём до сих пор ощущается. Наши слушатели 13 мая всё это увидят воочию.

- Как вы подбирали состав квартета?

- Сейчас состав немножко изменился, пришли новые контрабасист и барабанщик, но это не сильно повлияло на наше творчество, наверно, даже чего-то добавило. У всех музыкантов высшее образование, институт имени Гнесиных и т.д.

- Для большинства обывателей российский саксофонист - это Игорь Бутман. Как складываются ваши отношения, вы ощущаете какую-то конкуренцию?

- Конкуренция - это хорошо, Игорь Михайлович сам очень любит конкуренцию. Мы близко дружим, более того, нас иногда с ним путают, особенно когда я с саксофоном и со спины. Игорь постарше, и я рад, что ему удалось создать такой крепкий бренд. Он мощный, умный, интересный человек, может и в шоу поучаствовать, и дать бесплатный благотворительный концерт. Был даже случай, когда я заменял его на одном концерте. Правда, оркестр, когда увидел меня на месте Бутмана, сначала начал дружно ржать. Но потом отлично выступили. На самом деле мне лестно быть похожим на такого человека, а конкуренция между нами - правильная, творческая, позволяющая держаться в форме. Если Игорь сыграл хорошо, а я хуже я начинаю больше трудиться, больше заниматься, чтобы не отставать. Полагаю, и он у меня тоже чему-то учится.

- Концерт в ЦДХ проходит при поддержке НФПП. Расскажите, насколько важна для вас эта поддержка.

- Мне всегда было приятно общаться с представителями НФПП - это интеллигентные люди, которые очень тонко чувствуют музыку и искусство. Перед ними надо снять шляпу за те проекты, которые они поддерживают. В наше время это немногие могут себе позволить, а у них как-то получается. Они иногда могут и словом поддержать, и идеей, а иногда финансово. Я очень признателен, что они верят в меня как в талантливого музыканта, что наше сотрудничество будет долгим и плодотворным, что мы сделаем очень много социально значимых проектов. Я преподаю в Московском педагогическом университете, делаю ролики в интернете, обучающие игре на саксофоне. У нас лучшие саксофонные школы - это московская и питерская, в остальных городах с информацией и педагогами сложнее. Да и из тех, кто приезжают учиться в Москву, обратно в провинцию мало кто возвращается. Тут целая история, и я благодарен НФПП за то, что они поддерживают мои образовательные программы.

Долгое время джазовых музыкантов никто не поддерживал, был просто провал, и все по факту выживали, как могли. Теперь, к счастью, появились организации, которые нам помогают. Национальный фонд поддержки правообладателей правильно делает, собирая вокруг себя творческих людей и поддерживают их. Если шоу-бизнес существует за счёт своих гонораров и массовой популярностью, то в джазе финансы более скромные, и прокормить себя очень сложно. А идей очень много, и без поддержки их непросто воплотить. Причём смотрите, наши обработки рок-классики - это довольно простая идея. Сейчас много телешоу, те же «Точь-в-точь», где люди пытаются перевоплотиться в других звёзд, а публике интересно, как они это сделают. Мы, можно сказать, двигаемся в том же русле, доказываем, что джазовые музыканты тоже могут где-то конкурировать с шоу-бизнесом.

Алексей Мажаев, InterMedia

Премьера Симфонии №3 «Земля» композитора и аккордеониста Петра Дранги состоится 23 апреля 2024 года в Большом зале Московской государственной консерватории им. П.И.Чайковского. Она завершит цикл «Энергии мира», в который входят симфонии «Космос» и «Я’Они’Мы», сообщили агентству «ИнтерМедиа» в пресс-службе музыкантаю

Симфония №3 «Земля» прозвучит в исполнении большого симфонического оркестра Dyp Orchestra и Русского хора им. А. В. Свешникова. Пролог, литературную преамбулу по произведениям русских классиков, а также, специально сочиненные современными авторами экзерсисы на тему синергии человека с землей исполнят Юлия Снигирь и Евгений Цыганов.

- Заключительная часть трилогии называется «Земля», потому что космическое реликтовое излучение проходит через человека и уходит в землю. Земля в данном контексте — это частица Вселенной, планета, дающая жизнь человечеству. С земли все начинается, и в нее все уходит, — говорит композитор Петр Дранга.

В симфонии будет много этнических элементов: владимирские рожки, русский этнический хор, хор Свешникова, аккордеон.

- Я думаю, что через этнику связь с землей ощущается гораздо глубже, - считает музыкант. - Кроме того, интеграция этнических инструментов в симфоническое полотно — новый и интересный творческий шаг для меня. Как и подобная работа с Евгением Цыгановым и Юлией Снигирь. Мне кажется, что их голоса, звучание симфонического оркестра и этнических инструментов идеально подходят для реализации моего замысла.

Симфония состоит из пяти частей. Первая написана в форме сонатного «Аллегро», где звучат основополагающие темы. Вторая — «Адажио» с интеграцией старорусского хора и колоколов рассказывает об истоках Русской земли и происходивших с ней метаморфозах в разное время. Третья — «Скерцо», созданное на энергетическом потоке семи камней из различных мест силы России, по словам композитора, даст почувствовать исконную мощь природы. Четвертая — «Экзерсис», позволит слушателю соприкоснуться с этнической музыкальной общностью. В этой части прозвучат владимирские рожки, а партию аккордеона исполнит сам Петр Дранга. Пятая часть — «Финал» для оркестра, хора и этнических инструментов является монументальным завершением экспозиции жизни Земли во всех ее проявлениях.

Ранее стало известно, что Петр Дранга встречается с Дарьей Мороз. 39-летняя актриса и 38-летний музыкант 15 февраля 2023 года пришли вместе на премьеру нового сезона сериала «Содержанки», где Мороз играет одну из главных ролей.

25 синглов и альбомов пополнят в 2024 году Национальный реестр звукозаписей Библиотеки Конгресса США, который ежегодно определяет записи, достойные сохранения, «на основании их культурной, исторической или эстетической значимости в записанном звуковом наследии страны». Вместе с новым пополнением реестр включает уже 650 записей.

Среди отобранных в этом году - хиты «Dancing Queen» группы ABBA, «Parallel Lines» Blondie, «Ready to Die» Notorious B.I.G., «Dookie» Green Day, «Wide Open Spaces» Chicks, «Don’t Worry, Be Happy» Бобби Макферрина и дебютный альбом группы Cars.

Полный список в хронологическом порядке:

• “Clarinet Marmalade,” Lt. James Reese Europe’s 369th U.S. Infantry Band (1919);
• “Kauhavan Polkka,” Viola Turpeinen and John Rosendahl (1928);
• Wisconsin Folksong Collection (1937-1946);
• “Rose Room,” Benny Goodman Sextet with Charlie Christian (1939);
• “Rudolph, the Red-Nosed Reindeer,” Gene Autry (1949);
• “Tennessee Waltz,” Patti Page (1950);
• “Rocket ‘88,’” Jackie Brenston and His Delta Cats (1951) ;
• “Catch a Falling Star” / ”Magic Moments,” Perry Como (1957);
• “Chances Are,” Johnny Mathis (1957);
• “The Sidewinder,” Lee Morgan (1964);
• “Surrealistic Pillow,” Jefferson Airplane (1967);
• “Ain’t No Sunshine,” Bill Withers (1971);
• “This is a Recording,” Lily Tomlin (1971);
• “J.D. Crowe & the New South,” J.D. Crowe & the New South (1975);
• “Arrival,” ABBA (1976);
• “El Cantante,” Héctor Lavoe (1978);
• “The Cars,” The Cars (1978);
• “Parallel Lines,” Blondie (1978);
• “La-Di-Da-Di,” Doug E. Fresh and Slick Rick (MC Ricky D) (1985);
• “Don’t Worry, Be Happy,” Bobby McFerrin (1988);
• “Amor Eterno,” Juan Gabriel (1990);
• “Pieces of Africa,” Kronos Quartet (1992);
• “Dookie,” Green Day (1994);
• “Ready to Die,” The Notorious B.I.G. (1994);
• “Wide Open Spaces,” The Chicks (1998).

Отреставрированную версию документального фильма «Пусть будет так» (Let It Be) покажет Disney+ 8 мая 2024 года.

Оригинальная лента режиссера Майкла Линдси-Хогга 1970 года о записи последнего альбома Beatles была тщательно восстановлена командой Питера Джексона из Park Road Post Production.

- «Let It Be» был готов к выходу в октябре-ноябре 1969 года, но вышел только в апреле 1970 года, - рассказывает режиссер Майкл Линдсей-Хогг. - За месяц до его выпуска Beatles официально распались. И поэтому люди пошли смотреть «Let It Be» с грустью в сердцах, думая: «Я никогда больше не увижу Beatles вместе. Никогда больше у меня не будет этой радости», и это очень омрачило восприятие фильма. Но на самом деле, не часто можно увидеть, как артисты такого уровня работают вместе, чтобы превратить то, что они слышат в своей голове, в песни. А потом вы поднимаетесь на крышу и видите их волнение, дух товарищества и чистую радость от того, что они снова играют вместе как группа. И зная сейчас, что это был последний раз, мы смотрим на это с полным пониманием того, кем они были и есть, и это добавляет немного остроты. Я был ошеломлен тем, что Питер смог сделать с «Get Back», используя все материалы, которые я снял 50 лет назад.

«Let It Be» содержит кадры, не вошедшие в документальный сериал «The Beatles: Get Back» 2021 года и переносящие зрителей в студию и на крышу Apple Corps в Лондоне в январе 1969 года, когда музыканты, к которым присоединился Билли Престон, пишут и записывают свой последний альбом «Let It Be», получивший премию «Грэмми» и в последний раз выступают вживую как группа.

С выходом фильма документального сериала на Disney+ и одной из его серий в мировой кинопрокат обсуждение оригинального фильма «Let It Be» достигло апогея. Тогда при полной поддержке Линдси-Хогга Apple Corps попросила компанию Park Road Post Production Питера Джексона заняться тщательной реставрацией фильма с оригинального 16-миллиметрового негатива, что включало в себя ремастеринг звука с использованием той же технологии демикширования MAL, которая применялась в сериале «The Beatles: Get Back».

- Я очень рад, что фильм Майкла «Let It Be» был восстановлен и наконец-то переиздан после того, как он был недоступен в течение десятилетий, — говорит Питер Джексон. - Мне очень повезло, что у меня был доступ к отрывкам Майкла из «Get Back», и я всегда думал, что «Let It Be» необходима для завершения истории «Get Back». В трех частях мы показали как Майкла и Beatles снимают новый революционный документальный фильм. Теперь я думаю обо всем этом как об одной эпической истории, наконец завершенной спустя пять десятилетий. Эти два проекта поддерживают и усиливают друг друга: «Let It Be» — это кульминация «Get Back», а «Get Back» обеспечивает жизненно необходимый контекст для «Let It Be».